Des photographies prises principalement au crépuscule, lorsque les ombres s’allongent, les couleurs se transforment sous l’effet de la lumière déclinante et un sentiment de mystère envahit la scène. Des tirages argentiques vintage de la Russie enneigée au début des années 90, et des tirages numériques couleurs récents de l’Aubrac et le Japon.
ENTRE CHIEN ET FLOU Comme le titre le suggère, les photographies présentées dans cette exposition ont été prises principalement au crépuscule, lorsque les ombres s’allongent, les couleurs se transforment sous l’effet de la lumière déclinante et un sentiment de mystère envahit la scène. Le flou n’est pas recherché, il est la résultante de la façon de travailler du photographe. Les images lui viennent latéralement, chemin faisant, comme un souvenir dont on rêve, la netteté n’est pas ce qui l’intéresse, il est en mouvement quand il déclenche, d’où le flou qui en résulte…Les couleurs se démultiplient, créant une 3ème dimension dans le paysage. L’exposition présente les tirages argentiques « vintage » de l’artiste en errance dans la Russie enneigée, elle-même en perte de repères au début des années 90 après la perestroïka, ainsi que ses tirages numériques couleurs récents (2018-2025) ayant pour cadre un milieu familier, l’Aubrac et, aux antipodes, le Japon.
DANIEL ANIZON Né à Nantes et basé entre Paris et l’Aubrac, Daniel Anizon est un photographe-auteur au parcours atypique. Après un doctorat en économie en 1973, il voyage seul autour du monde trois ans sans appareil photo, une expérience fondatrice relatée en 2021 dans son récit Sans raison ni maison. Il s’initie à la photographie en 1982. Son regard artistique a également été marqué par la découverte du Japon en 2018. Sa carrière est jalonnée de distinctions prestigieuses, notamment le Prix Ilford (1984), le Prix Médicis Hors les Murs (1987) avec son travail sur les trappeurs canadiens et le Prix News aux Rencontres d’Arles (1988). Il a bénéficié de résidences internationales au Canada et aux États-Unis, et a célébré 40 ans de photographie lors d’une présentation à Gens d’images/ADAGP à Paris en 2024. Ses œuvres figurent dans de grandes collections publiques, telles que le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris et la Bibliothèque Nationale de France. Toujours actif, il a récemment exposé à la Maison Heinrich Heine à Paris (2021) ainsi qu’à la Galerie Mind’s Eye en 2026.
Il s’agit d’une exposition de tirages argentiques vintage de Takehiko Nakafuji dont beaucoup ont été présentés lors de son exposition à Mind’s Eye en 2013, Enter the Mirror. Le dossier de presse de cette dernière exposition comporte des textes de Daido Moriyama, Mark Pearson et Takehiko Nakafuji.
Né à Tokyo en 1970, Takehiko Nakafuji est diplômé du département de photographie du Tokyo Visual Arts College. Outre son travail de photographe, il est propriétaire de la galerie Niépce à Yotsuya, Tokyo. Il a publié dix livres sur la photographie de rue, principalement en noir et blanc, et voyage beaucoup pour des reportages photo, notamment en Russie, à Cuba, en Chine, à Hong Kong, à Paris, à New York et en Europe de l’Est. Il a présenté de nombreuses expositions individuelles et collectives au Japon et à l’étranger. Ses œuvres sont conservées dans trois musées japonais, le Kiyosato Museum of Photo Art, le Tokyo Photographic Art Museum et le Shunan City Museum of Art and History à Yamaguchi.
Compte tenu du succès remporté par l’exposition actuelle de Takehiko Nakafuji, Down on the Street, nous avons décidé de la prolonger jusqu’à la fin de l’année et de la faire suivre d’une exposition de ses tirages argentiques vintage, dont beaucoup ont été présentés lors de son exposition à Mind’s Eye en 2013, Enter the Mirror.
Veuillez noter qu’à l’exception du vernissage de cette nouvelle exposition, le jeudi 8 janvier 2026, toutes les visites se feront sur rendez-vous – un simple appel ou SMS au 06 85 93 41 92 suffit. Nous espérons revoir parmi vous nos nombreux visiteurs habituels ainsi que quelques journalistes.
Né à Tokyo en 1970, Takehiko Nakafuji est diplômé du département de photographie du Tokyo Visual Arts College. Outre son travail de photographe, il est propriétaire de la galerie Niépce à Yotsuya, Tokyo. Il a publié dix livres sur la photographie de rue, principalement en noir et blanc, et voyage beaucoup pour des reportages photo, notamment en Russie, à Cuba, en Chine, à Hong Kong, à Paris, à New York et en Europe de l’Est. Il a présenté de nombreuses expositions individuelles et collectives au Japon et à l’étranger. Ses œuvres sont conservées dans trois musées japonais, le Kiyosato Museum of Photo Art, le Tokyo Photographic Art Museum et le Shunan City Museum of Art and History à Yamaguchi.
L’exposition Down on the Street vient de débuter. Le photographe Takehiko Nakafuji viendra à Paris du 5 au 17 novembre et sera présent au vernissage le jeudi 13 novembre. Quelques exemplaires de son ouvrage Down on the Street seront disponibles à la galerie. Si vous voudriez rencontrer Takehiko Nakafuji à un autre moment, veuillez contacter la galerie.
Ces images ont été réalisées à l’occasion de cinq visites académiques en Chine sur une période de trente-cinq ans, bien que la majorité d’entre elles datent des années quatre-vingt. Elles reflètent implicitement, et parfois explicitement, les immenses changements qui sont intervenus dans la société chinoise au cours de cette période. En 1983, on ne pouvait aller nulle part sans être accompagné d’un guide ou d’un fonctionnaire. La communication en anglais était assez difficile. Tous les deux jours, on visitait des usines et leurs crèches, des parcs spacieux, des sites comme la Grande Muraille, la place Tiananmen, la Cité interdite, le Palais d’Hiver. Les rues de Pékin étaient larges, mais seules les rares voitures officielles en profitaient. Les bicyclettes dominaient, en longues et larges flux, dans un chœur de clochettes tintinnabulantes. Les gens vivaient à proximité les uns des autres, soit dans de petits quartiers compacts, constamment surveillés, soit dans des ruelles étroites (hutongs).
Des changements étaient déjà clairement visibles en 1989. Par exemple, un hutong de Nanjing visité en 1983 avait été démoli et un nouveau complexe résidentiel était en construction. En 2010, des immeubles d’habitation, souvent invendus et inoccupés, poussaient partout comme des champignons, annonçant la crise immobilière de 2021. À Shanghai, une gare ferroviaire nouvellement construite, avec son hall gigantesque et sa longue file de portiques de sécurité, ressemblait à un terminal d’aéroport. En 2017, la station balnéaire de Sanya s’est enorgueillie de ses tours spectaculaires, de ses plages de sable fin, de ses milliardaires chinois et russes et d’une statue de 108 mètres de haut en bronze de Guanyin, la déesse bouddhiste de la miséricorde, érigée sur une île artificielle.
Nanjing, 1983Fuzhou, 1989
ADRIAN BONDY
Né à Londres, Adrian Bondy part au Canada en 1968 pour un poste universitaire en mathématiques. Pendant ses années d’enseignement et de recherche, il poursuit sa passion pour la photographie et participe aux concours annuels organisés par les musées d’art ainsi qu’au concours international Noir et blanc Ilford. Il réalise plusieurs expositions, dont une à la Kitchener-Waterloo Art Gallery.
En 1994 il est nommé à un poste à Lyon 1. Depuis sa retraite en 2009, il consacre la plus grande partie de son temps à la photographie. En 2010, il créel’association à but non lucratif Mind’s Eye, dont l’objectif est de rechercher des liens conceptuels entre les mathématiques et la photographie. En collaboration avec Roland Assous, il conçoit une série de livrets sur différents thèmes mathématiques, en liant ces thèmes à des photographies. Les deux premiers numéros, sur les Nombres et la photographie, et les Ensembles et la photographie, sont publiés par Mind’s Eye en 2018 et 2019. En 2012, il ouvre la galerie Mind’s Eye, dédiée à la photographie. En dehors de la gestion de la galerie, il présente ses propres œuvres lors d’expositions personnelles à la galerie Niépce de Tokyo et à Mind’s Eye. Plus tard, lors de visites annuelles à Cuba, notamment à la ville de Camagüey, son travail se concentre sur la vie quotidienne des Cubains. En 2019, à la galerie Larios de Camagüey, il présente l’exposition Cafés de Paris, dont une version plus importante s’est tenue à Mind’s Eye en 2022. D’autres thèmes explorés incluent Les Anglais, Venise, Blowups et Évictions, tous sujets de livres auto-édités.
Le mot photographie signifie littéralement « dessiner avec la lumière ». Il a été inventé en 1839 par l’un des pionniers dans ce domaine, le scientifique Sir John Herschel. Le terme est bien sûr mieux compris dans le contexte de la photographie en noir et blanc, où l’image est formée et perçue par le jeu de l’ombre et de la lumière, ainsi que par les innombrables nuances intermédiaires de gris.
Roseanne Lynch poursuit cette interprétation littérale de la photographie en étudiant les jeux de lumière sur des objets, soit existants (un escalier du Bauhaus, la baignoire des Kandinsky), soit, plus fréquemment, abstraits, créés à partir de papier, de tôle ou de film photographique, en les pliant, les courbant, les enroulant ou les déformant d’une autre manière. Elle invite le spectateur à contempler la lumière dans sa forme la plus pure, la façon dont elle touche, se reflète et donne vie à ces formes essentiellement abstraites, dont certaines semblent planer dans l’espace comme de mystérieux objets volants non identifiés. Sa fascination pour la lumière rappelle le photographe japonais Hiroshi Sugimoto et ses cinémas ou ses paysages marins. Ils ont en commun un certain élément surréaliste induit par l’effet magique de la lumière.
Les approches qu’elle privilégie, les photogrammes, les luminogrammes et la solarisation, sont des techniques classiques. Les photogrammes datent des débuts de la photographie, mais ont ensuite été utilisés de manière plus abstraite et expérimentale par des artistes surréalistes tels que László et Lucia Moholy-Nagy. Un autre artiste connu pour ses photogrammes est Man Ray qui, avec Lee Miller, a développé la technique de la solarisation. La plupart des œuvres de l’exposition actuelle sont des tirages argentiques uniques. Parfois, ses tirages de formes géométriques sont rehaussées de graphite.
ROSEANNE LYNCH
Née à Dublin, Roseanne Lynch vit et travaille à Cork, en Irlande. Elle a étudié la photographie à l’université Napier d’Édimbourg, en Écosse, et a obtenu un master en beaux-arts au Crawford College of Art & Design de Cork. Avant d’occuper son poste actuel de maître de conférences en beaux-arts, elle était maître de conférences au Cork Centre for Architectural Education. Sa passion pour l’architecture nourrit son travail photographique, par exemple dans ses recherches sur les formes géométriques utilisées par Frank Lloyd Wright dans la conception d’un pavillon à Banff, au Canada.
Elle a effectué plusieurs résidences, notamment au Banff Centre for Arts and Creativity (Alberta, Canada), à la Fondation Bauhaus (Dessau, Allemagne), au Camargo Foundation International Fellowship Programme (Cassis, France), au Cork Centre for Architectural Education et au Centre culturel irlandais (Paris). En 2023, à la suite de sa résidence à la Fondation du Bauhaus et en réponse aux enseignements du Vorkus (cours préliminaire) de l’école du Bauhaus, elle a publié un livre de son travail, intitulé Grammar, avec un texte du conservateur du Bauhaus, Torsten Blume.
Parmi ses récentes expositions personnelles, citons No Want of Evidence, Photo Museum Ireland, sous la direction de Pádraig Spillane (2023), Semblance, Lavit Gallery, Cork (2022), GRAMMAR, Techne Sphere, Leipzig (2021), Forgetting’s Trace, Irish Embassy, Berlin (2020), et La trace de l’oubli, Centre Culturel Irlandais, Paris (2019).
Ses œuvres sont conservées dans plusieurs institutions, notamment la National Collection of Ireland, la Arts Council of Ireland Collection, la Bauhaus Foundation, la UCC Art Collection, la Glucksman Gallery, Cork, et la Office of Public Works State Art Collection, ainsi que dans d’importantes collections privées nationales et internationales.
Le titre de l’exposition, Mīrārī, signifie en latin « s’étonner », « s’émerveiller », « regarder ». Les photographies de petit format d’Andrei Fărcășanu peuvent être imaginées comme des instants fugaces de rêves ou des traces de souvenirs lointains, évoquant les émotions ressenties à ce moment-là. Les thèmes sont universels, le monde naturel étant prédominant, et ces images ont donc la propension à déclencher des émotions chez le spectateur, émotions qui émanent de ses propres souvenirs et expériences. La technique spéciale de développement des photos, le tirage lith en chambre noire, renforce l’impact onirique et émotionnel des images, en leur conférant une tonalité brunâtre, rougeâtre ou rosâtre. L’exposition Mīrārī comprend des sélections de plusieurs séries de l’artiste couvrant diverses périodes et présente, pour la première fois, sa dernière série (2024). Il y a des diptyques et des triptyques ainsi que des photographies individuelles.
ANDREI FĂRCĂŞANU
Andrei Fărcășanu est un photographe roumain basé à Barcelone, en Espagne. Il travaille avec la photographie analogique en noir et blanc et des techniques alternatives de chambre noire – des tirages de petit format faits à la main. Son travail se concentre sur la photographie picturale intime, utilisée comme un moyen d’enquêter sur les détails subtils de la vie quotidienne. Grâce à cette photographie minimaliste, à la taille réduite des œuvres et au fait que l’artiste transforme les photos en objets uniques et singuliers, le spectateur – pour comprendre le message – doit les approcher de près et en étudier les détails, ralentissant ainsi le rythme de la vie moderne. Diplômé de l’Académie des beaux-arts de l’Université nationale des arts de Bucarest, avec une spécialisation en peinture (2003), Andrei Fărcășanu est titulaire d’une maîtrise en photographie et arts vivants (2005) et d’un doctorat en photographie avec une thèse sur la photographie sociale (2013). Ces dernières années, il a remporté divers prix et récompenses dans le domaine de la photographie : 2023 Honorable Mention Winner – Tokyo International Photography Awards, 2022 Finalist InCadaques Photography Festival, 2020 Winner OpenWalls British Journal of Photography Award, 2020 Finalist Vila Casas Photography Prize, 2016 Winner Barcelona International Photography Awards, 2015 Winner Joan Cabanas Alibau Photography Prize. Depuis 1999, il a participé à des expositions en France, en Espagne, aux Pays-Bas, en Pologne, en Roumanie, en Serbie et en Grèce.
J’utilise la photographie pour explorer la vie quotidienne, capturer les humeurs et les états d’esprit. Cela m’aide à me comprendre et à comprendre le monde, en exprimant mon interprétation à travers des photographies intimes et évocatrices. Je me concentre sur la beauté négligée et les aspects inhabituels du commun, créant des images petites mais significatives. Mes sujets reflètent ma passion pour la beauté et les liens émotionnels, en établissant souvent des analogies avec la nature. Je cherche à créer des photographies poétiques et sereines, invitant les spectateurs à les interpréter personnellement. Chaque photo est comme la clé d’une boîte de Pandore, permettant diverses interprétations. Mon travail explore le passage du temps, la mémoire et le calme de la vie. Je trouve l’inspiration dans des situations qui me rapprochent de moi-même, capturant la fluidité et la sensibilité de la poésie de la vie. Même des lieux et des objets apparemment insignifiants me procurent des moments de conscience et de perception. Grâce à des photographies minimalistes de petit format utilisant des techniques analogiques, j’encourage les spectateurs à étudier les détails et à ralentir. L’esthétique se concentre sur l’essence de la beauté, avec des œuvres en noir et blanc, aérées et détendues, présentant des tons de gris infinis. L’artisanat est crucial, transformant les images en photographies physiquement imprégnées.
Norilsk, 1995, Lénine © Daniel Anizon
Peyrebesse, hiver 2020 © Daniel Anizon
Le Bès, été 2019 © Daniel Anizon
Yanaka, 2023 © Daniel Anizon
Japon 2025 © Daniel Anizon
Norilsk 1995 © Daniel Anizon
Aubrac 2018 © Daniel Anizon
© Takehiko Nakafuji 
