Des photographies prises principalement au crépuscule, lorsque les ombres s’allongent, les couleurs se transforment sous l’effet de la lumière déclinante et un sentiment de mystère envahit la scène. Des tirages argentiques vintage de la Russie enneigée au début des années 90, et des tirages numériques couleurs récents de l’Aubrac et le Japon.
ENTRE CHIEN ET FLOU Comme le titre le suggère, les photographies présentées dans cette exposition ont été prises principalement au crépuscule, lorsque les ombres s’allongent, les couleurs se transforment sous l’effet de la lumière déclinante et un sentiment de mystère envahit la scène. Le flou n’est pas recherché, il est la résultante de la façon de travailler du photographe. Les images lui viennent latéralement, chemin faisant, comme un souvenir dont on rêve, la netteté n’est pas ce qui l’intéresse, il est en mouvement quand il déclenche, d’où le flou qui en résulte…Les couleurs se démultiplient, créant une 3ème dimension dans le paysage. L’exposition présente les tirages argentiques « vintage » de l’artiste en errance dans la Russie enneigée, elle-même en perte de repères au début des années 90 après la perestroïka, ainsi que ses tirages numériques couleurs récents (2018-2025) ayant pour cadre un milieu familier, l’Aubrac et, aux antipodes, le Japon.
DANIEL ANIZON Né à Nantes et basé entre Paris et l’Aubrac, Daniel Anizon est un photographe-auteur au parcours atypique. Après un doctorat en économie en 1973, il voyage seul autour du monde trois ans sans appareil photo, une expérience fondatrice relatée en 2021 dans son récit Sans raison ni maison. Il s’initie à la photographie en 1982. Son regard artistique a également été marqué par la découverte du Japon en 2018. Sa carrière est jalonnée de distinctions prestigieuses, notamment le Prix Ilford (1984), le Prix Médicis Hors les Murs (1987) avec son travail sur les trappeurs canadiens et le Prix News aux Rencontres d’Arles (1988). Il a bénéficié de résidences internationales au Canada et aux États-Unis, et a célébré 40 ans de photographie lors d’une présentation à Gens d’images/ADAGP à Paris en 2024. Ses œuvres figurent dans de grandes collections publiques, telles que le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris et la Bibliothèque Nationale de France. Toujours actif, il a récemment exposé à la Maison Heinrich Heine à Paris (2021) ainsi qu’à la Galerie Mind’s Eye en 2026.
Le titre de l’exposition, Mīrārī, signifie en latin « s’étonner », « s’émerveiller », « regarder ». Les photographies de petit format d’Andrei Fărcășanu peuvent être imaginées comme des instants fugaces de rêves ou des traces de souvenirs lointains, évoquant les émotions ressenties à ce moment-là. Les thèmes sont universels, le monde naturel étant prédominant, et ces images ont donc la propension à déclencher des émotions chez le spectateur, émotions qui émanent de ses propres souvenirs et expériences. La technique spéciale de développement des photos, le tirage lith en chambre noire, renforce l’impact onirique et émotionnel des images, en leur conférant une tonalité brunâtre, rougeâtre ou rosâtre. L’exposition Mīrārī comprend des sélections de plusieurs séries de l’artiste couvrant diverses périodes et présente, pour la première fois, sa dernière série (2024). Il y a des diptyques et des triptyques ainsi que des photographies individuelles.
ANDREI FĂRCĂŞANU
Andrei Fărcășanu est un photographe roumain basé à Barcelone, en Espagne. Il travaille avec la photographie analogique en noir et blanc et des techniques alternatives de chambre noire – des tirages de petit format faits à la main. Son travail se concentre sur la photographie picturale intime, utilisée comme un moyen d’enquêter sur les détails subtils de la vie quotidienne. Grâce à cette photographie minimaliste, à la taille réduite des œuvres et au fait que l’artiste transforme les photos en objets uniques et singuliers, le spectateur – pour comprendre le message – doit les approcher de près et en étudier les détails, ralentissant ainsi le rythme de la vie moderne. Diplômé de l’Académie des beaux-arts de l’Université nationale des arts de Bucarest, avec une spécialisation en peinture (2003), Andrei Fărcășanu est titulaire d’une maîtrise en photographie et arts vivants (2005) et d’un doctorat en photographie avec une thèse sur la photographie sociale (2013). Ces dernières années, il a remporté divers prix et récompenses dans le domaine de la photographie : 2023 Honorable Mention Winner – Tokyo International Photography Awards, 2022 Finalist InCadaques Photography Festival, 2020 Winner OpenWalls British Journal of Photography Award, 2020 Finalist Vila Casas Photography Prize, 2016 Winner Barcelona International Photography Awards, 2015 Winner Joan Cabanas Alibau Photography Prize. Depuis 1999, il a participé à des expositions en France, en Espagne, aux Pays-Bas, en Pologne, en Roumanie, en Serbie et en Grèce.
J’utilise la photographie pour explorer la vie quotidienne, capturer les humeurs et les états d’esprit. Cela m’aide à me comprendre et à comprendre le monde, en exprimant mon interprétation à travers des photographies intimes et évocatrices. Je me concentre sur la beauté négligée et les aspects inhabituels du commun, créant des images petites mais significatives. Mes sujets reflètent ma passion pour la beauté et les liens émotionnels, en établissant souvent des analogies avec la nature. Je cherche à créer des photographies poétiques et sereines, invitant les spectateurs à les interpréter personnellement. Chaque photo est comme la clé d’une boîte de Pandore, permettant diverses interprétations. Mon travail explore le passage du temps, la mémoire et le calme de la vie. Je trouve l’inspiration dans des situations qui me rapprochent de moi-même, capturant la fluidité et la sensibilité de la poésie de la vie. Même des lieux et des objets apparemment insignifiants me procurent des moments de conscience et de perception. Grâce à des photographies minimalistes de petit format utilisant des techniques analogiques, j’encourage les spectateurs à étudier les détails et à ralentir. L’esthétique se concentre sur l’essence de la beauté, avec des œuvres en noir et blanc, aérées et détendues, présentant des tons de gris infinis. L’artisanat est crucial, transformant les images en photographies physiquement imprégnées.
Norilsk, 1995, Lénine © Daniel Anizon
Peyrebesse, hiver 2020 © Daniel Anizon
Le Bès, été 2019 © Daniel Anizon
Yanaka, 2023 © Daniel Anizon
Japon 2025 © Daniel Anizon
Norilsk 1995 © Daniel Anizon
Aubrac 2018 © Daniel Anizon
