Les Tirages Argentiques Takehiko Nakafuji jeudi 29 janvier 2026 16h-20h |
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    49 tirages argentiques — 25 aux murs, 24 dans le présentoir |
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Les Tirages Argentiques
Takehiko Nakafuji
Exposition : 8 janvier – 15 février 2026
sur rendez-vous au 06 85 93 41 92
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Takehiko Nakafuji
Les Tirages Argentiques
Exposition : 8 janvier – 15 février 2026
sur rendez-vous au 06 85 93 41 92
Tout d’abord, nous vous souhaitons une Nouvelle Année remplie de beaux moments et de rencontres stimulantes.  © Takehiko Nakafuji Il s’agit d’une exposition de tirages argentiques vintage de Takehiko Nakafuji dont beaucoup ont été présentés lors de son exposition à Mind’s Eye en 2013, Enter the Mirror. Le dossier de presse de cette dernière exposition comporte des textes de Daido Moriyama, Mark Pearson et Takehiko Nakafuji.  © Takehiko Nakafuji Né à Tokyo en 1970, Takehiko Nakafuji est diplômé du département de photographie du Tokyo Visual Arts College. Outre son travail de photographe, il est propriétaire de la galerie Niépce à Yotsuya, Tokyo. Il a publié dix livres sur la photographie de rue, principalement en noir et blanc, et voyage beaucoup pour des reportages photo, notamment en Russie, à Cuba, en Chine, à Hong Kong, à Paris, à New York et en Europe de l’Est. Il a présenté de nombreuses expositions individuelles et collectives au Japon et à l’étranger. Ses œuvres sont conservées dans trois musées japonais, le Kiyosato Museum of Photo Art, le Tokyo Photographic Art Museum et le Shunan City Museum of Art and History à Yamaguchi.  © Takehiko Nakafuji  © Takehiko Nakafuji  © Takehiko Nakafuji |
Visites sur rendez-vous au 06 85 93 41 92. N’hesitez pas, et bien profiter de l’exposition. Nous accueillons les visiteurs avec plaisir.
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Les Tirages Argentiques
Takehiko Nakafuji
Vernissage : jeudi 8 janvier 2026
18h-22h
 © Takehiko Nakafuji Compte tenu du succès remporté par l’exposition actuelle de Takehiko Nakafuji, Down on the Street, nous avons décidé de la prolonger jusqu’à la fin de l’année et de la faire suivre d’une exposition de ses tirages argentiques vintage, dont beaucoup ont été présentés lors de son exposition à Mind’s Eye en 2013, Enter the Mirror. Veuillez noter qu’à l’exception du vernissage de cette nouvelle exposition, le jeudi 8 janvier 2026, toutes les visites se feront sur rendez-vous – un simple appel ou SMS au 06 85 93 41 92 suffit. Nous espérons revoir parmi vous nos nombreux visiteurs habituels ainsi que quelques journalistes.  © Takehiko Nakafuji Né à Tokyo en 1970, Takehiko Nakafuji est diplômé du département de photographie du Tokyo Visual Arts College. Outre son travail de photographe, il est propriétaire de la galerie Niépce à Yotsuya, Tokyo. Il a publié dix livres sur la photographie de rue, principalement en noir et blanc, et voyage beaucoup pour des reportages photo, notamment en Russie, à Cuba, en Chine, à Hong Kong, à Paris, à New York et en Europe de l’Est. Il a présenté de nombreuses expositions individuelles et collectives au Japon et à l’étranger. Ses œuvres sont conservées dans trois musées japonais, le Kiyosato Museum of Photo Art, le Tokyo Photographic Art Museum et le Shunan City Museum of Art and History à Yamaguchi.  © Takehiko Nakafuji  © Takehiko Nakafuji  © Takehiko Nakafuji |
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Down on the Street
Takehiko Nakafuji
25 octobre – 14 décembre 2025
vernissage : jeudi 13 novembre
en présence de l’artiste
18h-22h
L’exposition Down on the Street vient de débuter. Le photographe Takehiko Nakafuji viendra à Paris du 5 au 17 novembre et sera présent au vernissage le jeudi 13 novembre. Quelques exemplaires de son ouvrage Down on the Street seront disponibles à la galerie. Si vous voudriez rencontrer Takehiko Nakafuji à un autre moment, veuillez contacter la galerie.
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Chine 1983-2017
Adrian Bondy
6 mai – 29 juin, 2025
vernissage : mardi 6 mai
en présence de l’artiste
18h – 22h
CHINE 1983-2017
Ces images ont été réalisées à l’occasion de cinq visites académiques en Chine sur une période de trente-cinq ans, bien que la majorité d’entre elles datent des années quatre-vingt. Elles reflètent implicitement, et parfois explicitement, les immenses changements qui sont intervenus dans la société chinoise au cours de cette période. En 1983, on ne pouvait aller nulle part sans être accompagné d’un guide ou d’un fonctionnaire. La communication en anglais était assez difficile. Tous les deux jours, on visitait des usines et leurs crèches, des parcs spacieux, des sites comme la Grande Muraille, la place Tiananmen, la Cité interdite, le Palais d’Hiver. Les rues de Pékin étaient larges, mais seules les rares voitures officielles en profitaient. Les bicyclettes dominaient, en longues et larges flux, dans un chœur de clochettes tintinnabulantes. Les gens vivaient à proximité les uns des autres, soit dans de petits quartiers compacts, constamment surveillés, soit dans des ruelles étroites (hutongs).
Des changements étaient déjà clairement visibles en 1989. Par exemple, un hutong de Nanjing visité en 1983 avait été démoli et un nouveau complexe résidentiel était en construction. En 2010, des immeubles d’habitation, souvent invendus et inoccupés, poussaient partout comme des champignons, annonçant la crise immobilière de 2021. À Shanghai, une gare ferroviaire nouvellement construite, avec son hall gigantesque et sa longue file de portiques de sécurité, ressemblait à un terminal d’aéroport. En 2017, la station balnéaire de Sanya s’est enorgueillie de ses tours spectaculaires, de ses plages de sable fin, de ses milliardaires chinois et russes et d’une statue de 108 mètres de haut en bronze de Guanyin, la déesse bouddhiste de la miséricorde, érigée sur une île artificielle.
ADRIAN BONDY
Né à Londres, Adrian Bondy part au Canada en 1968 pour un poste universitaire en mathématiques. Pendant ses années d’enseignement et de recherche, il poursuit sa passion pour la photographie et participe aux concours annuels organisés par les musées d’art ainsi qu’au concours international Noir et blanc Ilford. Il réalise plusieurs expositions, dont une à la Kitchener-Waterloo Art Gallery.
En 1994 il est nommé à un poste à Lyon 1. Depuis sa retraite en 2009, il consacre la plus grande partie de son temps à la photographie. En 2010, il créel’association à but non lucratif Mind’s Eye, dont l’objectif est de rechercher des liens conceptuels entre les mathématiques et la photographie. En collaboration avec Roland Assous, il conçoit une série de livrets sur différents thèmes mathématiques, en liant ces thèmes à des photographies. Les deux premiers numéros, sur les Nombres et la photographie, et les Ensembles et la photographie, sont publiés par Mind’s Eye en 2018 et 2019. En 2012, il ouvre la galerie Mind’s Eye, dédiée à la photographie. En dehors de la gestion de la galerie, il présente ses propres œuvres lors d’expositions personnelles à la galerie Niépce de Tokyo et à Mind’s Eye. Plus tard, lors de visites annuelles à Cuba, notamment à la ville de Camagüey, son travail se concentre sur la vie quotidienne des Cubains. En 2019, à la galerie Larios de Camagüey, il présente l’exposition Cafés de Paris, dont une version plus importante s’est tenue à Mind’s Eye en 2022. D’autres thèmes explorés incluent Les Anglais, Venise, Blowups et Évictions, tous sujets de livres auto-édités.
Toutes les photographies © Adrian Bondy
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Façonner la Lumière
Roseanne Lynch
7 novembre – 15 décembre, 2024
vernissage : vendredi 8 novembre
en présence de l’artiste
18h – 22h
FAÇONNER LA LUMIÈRE
Le mot photographie signifie littéralement « dessiner avec la lumière ». Il a été inventé en 1839 par l’un des pionniers dans ce domaine, le scientifique Sir John Herschel. Le terme est bien sûr mieux compris dans le contexte de la photographie en noir et blanc, où l’image est formée et perçue par le jeu de l’ombre et de la lumière, ainsi que par les innombrables nuances intermédiaires de gris.
Roseanne Lynch poursuit cette interprétation littérale de la photographie en étudiant les jeux de lumière sur des objets, soit existants (un escalier du Bauhaus, la baignoire des Kandinsky), soit, plus fréquemment, abstraits, créés à partir de papier, de tôle ou de film photographique, en les pliant, les courbant, les enroulant ou les déformant d’une autre manière. Elle invite le spectateur à contempler la lumière dans sa forme la plus pure, la façon dont elle touche, se reflète et donne vie à ces formes essentiellement abstraites, dont certaines semblent planer dans l’espace comme de mystérieux objets volants non identifiés. Sa fascination pour la lumière rappelle le photographe japonais Hiroshi Sugimoto et ses cinémas ou ses paysages marins. Ils ont en commun un certain élément surréaliste induit par l’effet magique de la lumière.
Les approches qu’elle privilégie, les photogrammes, les luminogrammes et la solarisation, sont des techniques classiques. Les photogrammes datent des débuts de la photographie, mais ont ensuite été utilisés de manière plus abstraite et expérimentale par des artistes surréalistes tels que László et Lucia Moholy-Nagy. Un autre artiste connu pour ses photogrammes est Man Ray qui, avec Lee Miller, a développé la technique de la solarisation. La plupart des œuvres de l’exposition actuelle sont des tirages argentiques uniques. Parfois, ses tirages de formes géométriques sont rehaussées de graphite.
ROSEANNE LYNCH
Née à Dublin, Roseanne Lynch vit et travaille à Cork, en Irlande. Elle a étudié la photographie à l’université Napier d’Édimbourg, en Écosse, et a obtenu un master en beaux-arts au Crawford College of Art & Design de Cork. Avant d’occuper son poste actuel de maître de conférences en beaux-arts, elle était maître de conférences au Cork Centre for Architectural Education. Sa passion pour l’architecture nourrit son travail photographique, par exemple dans ses recherches sur les formes géométriques utilisées par Frank Lloyd Wright dans la conception d’un pavillon à Banff, au Canada.
Elle a effectué plusieurs résidences, notamment au Banff Centre for Arts and Creativity (Alberta, Canada), à la Fondation Bauhaus (Dessau, Allemagne), au Camargo Foundation International Fellowship Programme (Cassis, France), au Cork Centre for Architectural Education et au Centre culturel irlandais (Paris). En 2023, à la suite de sa résidence à la Fondation du Bauhaus et en réponse aux enseignements du Vorkus (cours préliminaire) de l’école du Bauhaus, elle a publié un livre de son travail, intitulé Grammar, avec un texte du conservateur du Bauhaus, Torsten Blume.
Parmi ses récentes expositions personnelles, citons No Want of Evidence, Photo Museum Ireland, sous la direction de Pádraig Spillane (2023), Semblance, Lavit Gallery, Cork (2022), GRAMMAR, Techne Sphere, Leipzig (2021), Forgetting’s Trace, Irish Embassy, Berlin (2020), et La trace de l’oubli, Centre Culturel Irlandais, Paris (2019).
Ses œuvres sont conservées dans plusieurs institutions, notamment la National Collection of Ireland, la Arts Council of Ireland Collection, la Bauhaus Foundation, la UCC Art Collection, la Glucksman Gallery, Cork, et la Office of Public Works State Art Collection, ainsi que dans d’importantes collections privées nationales et internationales.
Toutes les photographies © Roseanne Lynch
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MĪRĀRĪ
Andrei Fărcăşanu
19 septembre – 27 octobre, 2024
vernissage : vendredi 20 septembre
en présence de l’artiste
18h – 22h
MĪRĀRĪ
Le titre de l’exposition, Mīrārī, signifie en latin « s’étonner », « s’émerveiller », « regarder ». Les photographies de petit format d’Andrei Fărcășanu peuvent être imaginées comme des instants fugaces de rêves ou des traces de souvenirs lointains, évoquant les émotions ressenties à ce moment-là. Les thèmes sont universels, le monde naturel étant prédominant, et ces images ont donc la propension à déclencher des émotions chez le spectateur, émotions qui émanent de ses propres souvenirs et expériences. La technique spéciale de développement des photos, le tirage lith en chambre noire, renforce l’impact onirique et émotionnel des images, en leur conférant une tonalité brunâtre, rougeâtre ou rosâtre. L’exposition Mīrārī comprend des sélections de plusieurs séries de l’artiste couvrant diverses périodes et présente, pour la première fois, sa dernière série (2024). Il y a des diptyques et des triptyques ainsi que des photographies individuelles.
ANDREI FĂRCĂŞANU
Andrei Fărcășanu est un photographe roumain basé à Barcelone, en Espagne. Il travaille avec la photographie analogique en noir et blanc et des techniques alternatives de chambre noire – des tirages de petit format faits à la main. Son travail se concentre sur la photographie picturale intime, utilisée comme un moyen d’enquêter sur les détails subtils de la vie quotidienne. Grâce à cette photographie minimaliste, à la taille réduite des œuvres et au fait que l’artiste transforme les photos en objets uniques et singuliers, le spectateur – pour comprendre le message – doit les approcher de près et en étudier les détails, ralentissant ainsi le rythme de la vie moderne. Diplômé de l’Académie des beaux-arts de l’Université nationale des arts de Bucarest, avec une spécialisation en peinture (2003), Andrei Fărcășanu est titulaire d’une maîtrise en photographie et arts vivants (2005) et d’un doctorat en photographie avec une thèse sur la photographie sociale (2013). Ces dernières années, il a remporté divers prix et récompenses dans le domaine de la photographie : 2023 Honorable Mention Winner – Tokyo International Photography Awards, 2022 Finalist InCadaques Photography Festival, 2020 Winner OpenWalls British Journal of Photography Award, 2020 Finalist Vila Casas Photography Prize, 2016 Winner Barcelona International Photography Awards, 2015 Winner Joan Cabanas Alibau Photography Prize. Depuis 1999, il a participé à des expositions en France, en Espagne, aux Pays-Bas, en Pologne, en Roumanie, en Serbie et en Grèce.
J’utilise la photographie pour explorer la vie quotidienne, capturer les humeurs et les états d’esprit. Cela m’aide à me comprendre et à comprendre le monde, en exprimant mon interprétation à travers des photographies intimes et évocatrices. Je me concentre sur la beauté négligée et les aspects inhabituels du commun, créant des images petites mais significatives. Mes sujets reflètent ma passion pour la beauté et les liens émotionnels, en établissant souvent des analogies avec la nature. Je cherche à créer des photographies poétiques et sereines, invitant les spectateurs à les interpréter personnellement. Chaque photo est comme la clé d’une boîte de Pandore, permettant diverses interprétations. Mon travail explore le passage du temps, la mémoire et le calme de la vie. Je trouve l’inspiration dans des situations qui me rapprochent de moi-même, capturant la fluidité et la sensibilité de la poésie de la vie. Même des lieux et des objets apparemment insignifiants me procurent des moments de conscience et de perception. Grâce à des photographies minimalistes de petit format utilisant des techniques analogiques, j’encourage les spectateurs à étudier les détails et à ralentir. L’esthétique se concentre sur l’essence de la beauté, avec des œuvres en noir et blanc, aérées et détendues, présentant des tons de gris infinis. L’artisanat est crucial, transformant les images en photographies physiquement imprégnées.
Andrei Fărcășanu
Toutes les photographies © Andrei Fărcășanu
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Oradour
John Claridge
8 juin – 14 juillet, 2024
Soirée spéciale : lundi 10 juin
18h – 21h
ORADOUR
Cette exposition marque le 80e anniversaire du massacre d’Oradour-sur-Glane. Le 10 juin 1944, 643 habitants de ce bourg Limousin ont été simultanément exécutés par la Waffen SS et ses bâtiments réduits en cendres. Les ruines ont été conservées en tant que mémorial de ce désastre humanitaire.
Les terribles événements d’aujourd’hui nous rappellent que l’homme est capable des pires horreurs. Hélas, Oradour n’est qu’une des innombrables atrocités commises dans l’histoire du monde.
John Claridge visite Oradour-sur-Glane en 2014. Notre exposition présente les photographies puissantes et émouvantes qu’il a rapportées, rappelant les magnifiques gravures de Piranèse sur les ruines de Rome.
Il faisait froid, tôt le matin, et le vent soufflait en rafales, me donnant des frissons dans le dos. La pluie abondante et les nuages noirs et menaçants n’ont pas aidé.
Lorsque j’ai fait mes premiers pas dans Oradour-sur-Glane, la ville était déserte et remplie d’un sentiment d’inquiétude. Chaque rue, chaque bâtiment, chaque voiture, chaque maison semblait appartenir à une terrible tristesse.
J’avais l’impression d’entrer non seulement dans une autre époque, mais aussi dans une autre dimension, sans échappatoire. — John Claridge
JOHN CLARIDGE
John Claridge commence la photographie à l’âge de huit ans avec un appareil en plastique gagné à une fête foraine locale. Il quitte l’école à quinze ans, prend un poste dans le département de photographie chez McCann-Erickson, et devient assistant de David Montgomery. Il y reste deux ans, s’inspirant entre autres du designer légendaire Robert Brownjohn. A tout juste dix-sept ans, il frappe à la porte de la résidence de Bill Brandt à Hampstead afin d’offrir un tirage au grand photographe. Il est reçu avec courtoisie et gentillesse. En 1963, il ouvre un atelier près de la cathédrale de Saint-Paul, se spécialisant dans les revues et la publicité. Il poursuit sa carrière jusqu’à récemment dans la publicité, en travaillant pour nombreuses sociétés importantes. En 1967, il écrit, produit, et filme un court-métrage controversé, Five Soldiers, sur la guerre civile américaine, faisant allusion implicite à la guerre au Vietnam.
John Claridge a publié une cinquantaine d’ouvrages, pour la plupart édités par sa propre société Lizard’s Eye, dont Warriors, Heroes, Boxers (2018) et The Miners 1971 (2018), mais aussi notamment One Hundred Photographs (1988), pour son exposition à la Hamilton’s Gallery de Londres, et East End (2016), publié par Spitalfields Life Books.
Il a été récompensé par de nombreuses organisations pour son travail dans le domaine de la publicité et du design, notamment par les London International Advertising Awards, le Festival international de la publicité de Cannes, Design and Art Direction UK, Association of Photographers UK, The One Show New York, Clio Awards Worldwide USA et Creative Circle Awards.
Les œuvres de John Claridge font partie de musées et de collections privées du monde entier, notamment de l’Arts Council of Great Britain, du Victoria & Albert Museum, de la National Portrait Gallery et du Museum of Modern Art. Il expose régulièrement à Londres.
Toutes les photographies © John Claridge
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Présences
Nacho Gómez Sales
18 avril – 26 mai, 2024
Vernissage : jeudi 25 avril
18h – 22h
en présence du photographe
NACHO GÓMEZ SALES
Né à Castellón de la Plana, en Espagne, Ignacio « Nacho » Gómez Sales suit des études de photographie à la EASD à Valence et à la EASD Serra i Abella, à Barcelone. Il effectue ensuite une spécialisation en photographie d’architecture au IEFC à Barcelone.
En 2008, il quitte Barcelone et déménage à Dijon, où il effectue un stage au Conseil d’Architecture, d’Environnement et d’Urbanisme de la Côte-d’Or (CAUE21).
Il s’installe définitivement à Paris en 2009, où il vit et travaille depuis. Il suit entre 2010 et 2013, un Master en Arts Plastiques spécialisation en Photographie et Art Contemporain à l’Université Paris 8.
En 2017, sa série sur la Corée du Sud est sélectionnée dans « Descubrimientos Photoespaña » à Madrid.
En 2018 il fait un livre auto-edité intitulé London.
Depuis 2002, il a montré son travail en expositions individuelles et collectives, notamment à Castellon et Barcelone, mais aussi à Paris, Orense et Gandia, ainsi que dans des médias spécialisés en photographie.
Depuis 2009, il concilie la photographie avec son travail à la Librairie du Centre Pompidou.
PRÉSENCES
Quand je prends des photographies, j’essaie que mes images aident à analyser la configuration de l’espace qui est représenté, sa généalogie, ainsi que l’usage qui en font ceux qui y habitent et ceux qui y ont habité. En revanche, parallèlement à cet aspect analytique il existe un aspect irrationnel dans mon travail. Je choisis des lieux qui en quelque sorte m’interpellent non pas uniquement pour ce qu’ils sont, mais pour ce qu’ils ont été, pour ce qu’ils ont de réel et de fantôme, pour comment son passé est à la fois présent comme les rides dans la peau. Comme le dit Italo Calvino dans Les villes invisibles, la ville est faite de la relation entre les mesures de son espace et les événements de son passé. Comme si cet espace abritait une étrange présence et la photographie était le médium qui la transcrivait, c’est là que réside pour moi l’intérêt de photographier des lieux.
Dans le cadre de cette exposition, les photographies présentées, prises entre la France, l’Espagne et l’Italie entre 2005 et 2019, sont divisées en deux volets. Dans un premier temps nous retrouvons essentiellement des traces. Des ruines et des murs de villes se font écho entre un passé latent et un présent en devenir. Tel que la lumière et le temps le font sur la surface du film photographique, une sorte de mémoire est aussi enregistrée dans ces surfaces de pierre et du béton, dont la juxtaposition est un éventail de couches temporaires, auxquelles s’invitent tantôt de jardins urbains que des plantes qui poussent sauvagement aux côtés des constructions.
Dans un deuxième temps, la lumière du jour est partie, et nous retrouvons la nuit, cet espace temporaire où les gens dorment, et qui dans la culture populaire est toujours lié, entre-autres, à l’inconnu, au danger et aux histoires de fantômes. La nuit veux dire aussi la pénombre, même si l’éclairage électrique dans les villes modernes ne laisse plus la place au noir total, la faible lumière qui baigne les surfaces les modifie, changeant ainsi ses couleurs et ses formes. Un objet quotidien et banal peut ainsi devenir un objet énigmatique et mystérieux. Ces photographies nous offrent une promenade nocturne dans une ville sans habitants, où les éléments urbains tel des arbres, des portes, des fenêtres ou des grilles sont les seuls protagonistes. Elles ont été prises au trépied avec des poses longues, au point de transformer, dans certains cas, l’obscurité de la nuit en lumière du jour.
Nacho Gómez Sales
Toutes les photographies © Nacho Gómez Sales